25.7.11

Ya tengo mi cuadro de Hopper

Por fin ha llegado, ya está aqui, lo tengo un mi poder. Se trata una lámina que compré a través de internet de una de mis pinturas predilectas:

The Long Leg, de Edward Hopper, 1935


En 1935 en los cines se estrenaban grandes películas como "Anna Karenina" y "Sombrero de copa"; nacían estrellas como Elvis Presley o Woody Allen y fallecían personajes de gran relevancia como Lawrence de Arabia o Carlos Gardel.  Al tiempo que todo esto sucedía, el pintor americano realista por excelencia de la primera mitad del siglo XX, profesional de la cotidianidad, de la sensibilidad y del color, pintaba con óleo sobre lienzo su obra "The Long Leg".

Al igual que muchos artistas de su generación en Nueva York, Hopper buscó una sensación de alivio al verano en la ciudad acudiendo a la costa de la Nueva Inglaterra. "The Long Leg" se encuentra en la costa sureste de Cape Cod, no lejos de la casa de verano del artista en el sur de Truro, dónde encontraba escenarios de mar y navegación, temáticas recurrentes en su obra.

La obra retrata un barco navegando en Long Point Light en Provincetown a las 3 de la tarde. Aunque muestra una escena de ocio, no aparece gente en el barco o en la orilla, y es que es precisamente este ambiente de aislamiento lo que refleja el abstracto y el símbolo impersonal del Modernismo. Podríamos sugerir que se trata de una invitación a la reflexión sobre la soledad y la compañía, temas igualmente manoseados por Hopper durante toda su obra.


De todo lo que insinúa el cuadro, me quedo con la luminosidad y la gama de azules que la acompañan, un imprescindible en cualquier habitación.

29.6.11

Yo quiero la nevera rosa de Wesselmann

 

  
                          Still Life 30, 1963. Tom Wesselmann
 





“Still Life 30,” literalmente significa "Vida quieta" o como se denomina esta corriente "objetos inanimados", es obra del talento de Tom Wesselmann y en la actualidad habita en el MOMA de Nueva York.

Tras superar su obsesión por la obra de Willem de Kooning, Tom se emplea a fondo en detectar el elemento diferenciador, el que conseguirá convertirlo en estrella del ARTE, y lo encuentra justo a la vuelta del salón: en la cocina.

La obra se compone de botellas de 7 UP, cereales, café, perrito caliente, varias latas de rodajas de piña en almíbar y una nevera vintage rosa palo entre otros elementos poperos. La idea es modernizar los bodegones de la Edad Media, el Renacimiento y los siglos anteriores al XX utilizando elementos de la cultura popular de los años 60 y 70.

Still Life, como gran parte de la obra de Wesselmann durante los años 60, es una combinación de pintura, escultura y collage. El uso de objetos pop, combinado con coloridas escenas domésticas le identifican como pionero en el dominio del pop art junto a contemporáneos como Warhol o Liechtenstein.  En palabras de su mujer Claire, la misión de Tom "no era solo la de redefinir el dibujo sino el de estrecharlo en todas las direcciones. Para ello empleó telas, aluminio y acero con el fin de crear líneas que pudieran sostenerse en las manos".

Aunque siempre ha admitido no ser gran admirador de las marcas, su trabajo representa la celebración de la cultura popular reflejando no sólo la tradición de pintar objetos inanimados sino también paisajes a través de una ventana y un desnudo - la colocación de dos naranjas cerca de la torre no es una mera coincidencia, representan la sexualidad intrínseca en toda la obra de Wesselmann. Otro de los rasgos de su obra se refiere a la inclusión de obras de otros autores en algún lugar del cuadro, demostrando que el arte, que estuvo una vez tan desplazado de la vida diaria, es ahora parte activa de ella, algo por lo que lucharon los artistas del pop.

16.5.11

Marchándo otra de Hockney

 
                     
                                                Study of Water, 1976 crayon on paper, 18x19 5/8 in.
   












Retorno a David Hockney, siempre vuelvo a el. Su obra es como un imán para mi. Cuanto más descubro, más me apasiona, nunca me decepciona.

En esta ocasión me detengo ante su "Estudio del Agua" dibujado en lápiz sobre papel y lo más relevante para mi, en 1976, el año de mi nacimiento.

El tratamiento que le da al agua es fascinante, delicado pero con carácter y fuerza. Es curioso que siendo perezoso y descuidado, Hockney realize obras tan cuidadas y elaboradas sobre el movimiento del agua, la claridad de las piscinas o el reflejo del fondo en la superficie. Su inclinación y pasión por las piscinas tiene una explicación: "mientras sobrevolaba San Bernardino y miraba hacia abajo, veía piscinas, casas y el sol. Esto me producía gran excitación, me insipiraba glamour y adoro este sentimiento".  

El glamour es la clave para entender la obra de Hockney. Para el, tener una piscina en casa, simboliza el glamour y el contraste total con todo un entorno en su Inglaterra natal. 

Hockney declaró en una ocasión que "el agua en las piscinas cambia su aspecto más que cualquier otra forma....su color puede ser manipulado por el hombre y sus ritmos danzantes reflejan no solo el cielo, sino también,  por su transparencia, la profundidad del agua. Si la superficie del agua está quieta y hay sol intenso, las líneas danzantes con los colores del espectro aparecen en cualquier lugar" .

3.4.11

Tom Wesselmann traza mujeres

  
"Study for Blonde Torso" Tom Wesselmann, 1992
No es casualidad que tras un post sobre la obra de Alex Katz, le toque el turno a Tom Wesselmann porque gracias a la organización de Katz, pudo Wesselmann presentar su primera exposición individual. Fue en la Tanager Gallery de Nueva York, una de las 10 galerías más prestigiosas de los años 50.  Desde esa primera exposición en 1962 hasta el "Study for Blonde Torso" de 1992, Wesselmann dibujó desde sus admirados 100 cuerpos de mujer desnudos en azul, rojo y blanco, reflejado en su serie "Gran Desnudo Americano", pasando por bodegones, interiores de cocina con tostadoras y botellas de 7Up incluídas para llegar hasta sus últimas composiciones en collage. Influenciado por de Kooning en sus inicios, Wesselmann optaría finalmente por el más puro expresionismo de Modigliani y en particular de Matisse. Precisamente de la identificación con la  obra de este último, se sirve Wesselmann para crear la que aquí nos ocupa. Una maravilla de apenas 50 trazos en colores brillantes, mediterráneos, alternados con espacios blancos. Sus marcadas formas sensuales podrían haber sido inspiradas por alguna de las obras más tardías "cut - out" de Matisse, por ejemplo La Danza.

27.3.11

Ada con gorro de baño

La obra de Alex Katz me fascina. No lo he descubierto hace mucho por lo que aún tengo que seguir experimentando con sus obras, como hace el mismo. Porque aunque aparentemente su arte pueda calificarse de convencional, según nos adentramos en sus colecciones, vislumbramos su afán de exploración. En próximas entradas comentaré sobre algunos de los aspectos innovadores que Katz ha aportado a la pintura como son los cuts-outs (figuras recortadas y pintadas), pero por ahora solo quiero centrarme en una de las obras que más me atrae de Katz: "Ada with a Bathing Cap." de 1965.

Ada  es el nombre de su segunda esposa, una investigadora sobre el cáncer, que durante la década de los 60 se convirtió también en su musa. En esta obra en particular, presentada en primer plano, Ada del Moro se haya rodeada de brochazos que definen el reflejo sobre el agua tras ella, dotándola de un áurea luminoso mientras el mar se disuelve en la distancia. El impacto está en la fortaleza del colorido de los rasgos y complementos de Ada frente a la delicadeza pero a la vez intensidad de los elementos naturales que la rodean, insinuando un acercamiento a los arquetipos femeninos de las estrellas de Hollywood - una Esther Williams quizás.

Pero además de Ada, está el mar. Transmitir la magia del mar es uno de los infinitos poderes que tiene la pintura, y en esta obra, Katz consigue que disfrutemos junto a Ada de dos de sus principales propiedades: la calidez y la frescura. En la obra de Katz, el mar está muy presente, aunque en la mayoría de los casos, en segundo plano, no deja de imponerse y eso es, junto a su precisión con los colores, lo que más me une a el. 

14.3.11

Los Padres de David

En 1977 David Hockney, el primer artista de origen británico en actuar como una estrella del pop, patentar el mundo moderno en sus obras y captar la imaginación popular, descontento con la popularidad alcanzada y la iconicidad del documental "A bigger Splash" sobre su obra durante los años 60, pone tierra por medio y comienza una nueva etapa. Reivindica el método sobre el contenido se muestra nostálgico por un mundo más moral, más escaso. En este contexto, Hockney retrata a sus padres en "My Parents". Cuentan que sus padres eran personas de gran fortaleza mental. Su madre, una mujer de creencias religiosas y vegetariana algo poco usual en aquellos años, aparece en este cuadro con la mirada puesta en su hijo que la está retratando, adoptando una pose amable, como esperando al flash de una cámara fotográfica. Por otro lado, el padre parece no estar al tanto de lo que sucede a su alrededor. Ambos sentados, sólo les separa un espejo, unos cuantos libros, un florero con tulipanes y diferentes grados de implicación.

11.3.11

El punto de Tranquilidad de Louis Morris

"Point of Tranquility" (Punto de Tranquilidad)  

Colección: El Museo Hirshorn y Jardín de Esculturas, Washington, DC.

Point of Tranquility es un ejemplo de los bellos "velos"  florales de Louis Morris, la última de la serie que completó antes de emprender el Unfurleds (1960-1961) en el que muestra riachuelos de opaca intensidad en grandes campos blancos de lona.  A este representante del expresionista abstracto americano, se le atribuye  la entonces innovadora técnica del "color field painting" (pintura de campos de color de la Escuela de Washington).  Louis destruyó muchas de sus obras entre 1955 y 1957, pero reanudó su sutíl obra hasta fallecer a causa de un cáncer de pulmón en 1962.